포스코미술관은 8월 19일부터 11월 9일까지 잊혀진 조선 미술사의 한 장을 새롭게 펼친다. 이번 기획전 《The Hidden Chapter – 오백 년 만에 돌아온 조선서화》에서는 일본 교토의 고미술품점 이조당(李朝堂)을 운영하며 40여 년간 한국 고미술품을 수집해온 이리에 다케오(入江毅夫)의 ‘유현재(幽玄齋)’ 컬렉션을 국내 최초로 공개한다. 조선 초기부터 근대에 이르는 산수화, 인물·풍속화, 화조·영모화, 궁중화, 불화, 서예 등 다양한 장르가 망라되어 있으며, 조선통신사로 일본을 방문했던 화원들의 귀중한 회화작품도 만나볼 수 있다.

오랜 세월 타국에 머물렀던 조선 서화와 예술혼을 마주할 수 있는 이번 전시를 통해 우리 문화재의 역사적 가치와 예술성을 재발견하며, 조선 미술사의 빈 페이지를 채워나가는 특별한 경험을 하게 되기를 바란다.

‘유현재(幽玄齋)’는 고미술품 수집가 이리에 다케오(入江毅夫)가 자신의 자택에 붙인 당호다. 그는 유현재를 통해 조선과 일본의 문화 교류 속에서 전해진 조선 화원, 문인, 중인, 통신사 등 다양한 계층의 글씨와 그림을 수집해 왔다. 1996년에는 중국과 한국의 고미술품 730여 점을 수록한 『유현재선 한국 고서화도록(幽玄齋選韓國古書畵圖錄)』 을 발간해 한국 고미술계에 큰 반향을 일으켰고, 유현재는 일본의 저명한 한국미술 소장처로 알려지게 된다. 이듬해 재일교포 3세 수장가 나카무라(中村)에게 유현재 컬렉션이 넘어갔으나, 나카무라의 사망 후 한국 관련 소장품 125점이 민간의 노력으로 한국에 환수됐다.

올해 한일 수교 60주년을 맞아, 오백 년 만에 고향으로 돌아온 우리 민족의 예술혼이 담긴 작품들을 포스코미술관에서 국내 최초로 선보인다. 이번 전시를 통해 문화재 환수가 역사적 진실 복원과 민족 자긍심 회복에 끼치는 의미를 알리고, 조선회화사 연구에 중요한 기초 자료를 제공하여 학술 연구의 기회를 마련하고자 한다.

포스코미술관은 동시대 미술뿐만 아니라 최근에는 고미술 전시도 함께 선보이며, 시대와 장르의 경계를 넘나드는 예술의 가치를 더 많은 이들과 나누고자 새로운 시도를 이어가고 있다. 이번 전시에는 이러한 바람이 담겨 있다. 전시를 감상하는 동안 미술관이라는 공간에서 우리의 옛 그림과 글씨를 쉽고 친근하게 감상하는 기쁨을 경험할 수 있을 것이다. 아울러 한국미술의 가치와 변화 과정을 재조명하는 뜻깊은 계기가 되기를 기대한다.

오백 년의 시간을 넘어 다시 우리 곁으로 돌아온 조선의 서화.

이번 전시가 우리 문화의 깊이와 아름다움을 가장 가까이에서 느낄 수 있는 소중한 기회가 되기를 바란다.

※정기 도슨트 안내 : 전시 기간 중 매일 12:30, 15:00 두 차례 진행, 별도 신청 없이 참여 가능.

포스코미술관이 5월 19일부터 7월 13일까지 꽃이라는 매혹적인 소재를 통해 동시대 작가들이 풀어내는 삶의 풍부한 이야기를 담은 기획 전시 《꽃: 찬란한 찰나》를 개최한다. 생의 가장 찬란한 순간을 중심으로 삶과 죽음, 성장과 소멸이라는 인생의 여정을 다채롭게 조망한 김서울, 김시종, 박이도, 박종필, 박형진, 진민욱, 허보리 총 7인의 작품을 소개한다.

동양과 서양을 비롯한 각 문화의 미술작품에 등장하는 꽃은 그 사회의 역사, 철학, 가치 체계에 따라 다양한 해석과 상징적 의미를 지닌다. 그러나 많은 경우, 이러한 의미들은 ‘현재에 충실하자(Carpe diem)’와 ‘죽음을 기억하라(Memento mori)’라는 메시지로 귀결된다. 이는 인생의 유한함을 깨닫고 현재의 삶에 집중할 때 죽음에 대한 두려움도 사라지게 된다는 뜻이다. 이번 전시에서는 고유의 시각과 기법으로 꽃의 아름다움과 순간성을 넘어서는 작가들의 작업을 통해 삶의 다층적인 측면과 숨은 의미를 살펴보고자 한다.

김서울의 반려식물이 전하는 위로, 김시종의 꽃 정물에 담긴 생의 찬란함과 덧없음, 박이도의 공감각적 정원에 깃든 숨은 감정과 기억, 박종필의 화려한 꽃들의 향연이 은유하는 인간의 삶, 박형진의 자연의 색채에 기록된 시간과 생의 흔적, 진민욱의 풍경에서 마주한 현실 속 잊힌 세계, 허보리의 의인화된 식물과 꽃의 표상들까지. 꽃을 조망한 이들의 작품은 시각적 즐거움과 함께 잊힌 감각을 일깨울 것이다.

김서울이 처음 머릿속으로 그린 이미지는 수많은 작업 과정에서 개입되는 물질과 시간에 의해 달라지기 때문에 모든 판이 쌓여 완성되고 나서야 비로소 작품을 제대로 마주하게 된다. 우리의 인생이 계획과 다르게 흘러갈 때가 있는 것처럼 판화 작업은 계획성과 우연성의 만남으로 귀결된다.

-강정하(포스코미술관 선임큐레이터) 작가 비평 中

김시종은 네덜란드 정물화를 오마주한 실제 꽃병을 설치한 뒤 사진으로 촬영하고, 후반 작업을 통해 나비, 무당벌레, 박쥐 등을 디지털로 합성해 이미지를 완성한다. 생의 찬란함과 덧없음, 실제 자연과 인공의 손길이 병치된 이미지들은 바니타스(Vanitas) 회화*의 현대적 계승처럼 보인다.
*바니타스(Vanitas) 회화: 16세기 중·후반에서 17세기에 이르는 바로크 시대에 성행했던 미술 사조로 삶의 덧없음을 일깨워주는 정물화 그림들이다.

-김지연(미술비평) 작가 비평 中

박이도의 작품세계에 있어 정원은 대자연의 한가운데 선 인간의 작은 몸 안에 응축된 기억의 세계를 은유하는 상징이다. 풍경의 내부를 거닐며 보고 만진 자연의 편린들이 물감의 층처럼 축적되어 각자의 내면세계에 가꾸어 낸 정원은 저마다 내밀한 사유지인 한편, 보편적으로 서로 닮은 본질을 지닌 공명적 소재이다.

-박미란(큐레이터, 아라리오갤러리 팀장) 작가 비평 中

박종필의 꽃은 과거와 미래를 연결하는 ‘지금’의 순간을 생생히 드러내며, 순간의 아름다움을 더 깊이 음미할 때 삶의 진정한 의미와 가치를 발견할 수 있음을 시사한다. 그의 회화는 시간을 잠시 멈추게 하여 우리가 쉽게 지나쳐 버리는 현재의 순간을 영원한 이상향으로 승화시킨다.

-강정하(포스코미술관 선임큐레이터) 작가 비평 中

박형진은 눈앞에 있지만 우리가 쉽게 발견하지 못하는 존재들을 화면의 정중앙으로 소환한다. 단지 찰나를 화면 위에 박제하는 것이 아니라 ‘지금’이라는 순간을 거쳐 간 작은 생의 결과 질감을 더듬는다. 비인간 존재가 가진 생의 리듬을 오롯이 존중하는 일이다.

-김지연(미술비평) 작가 비평 中

진민욱은 동양적 미학을 현대적 맥락에서 해석하는 과정을 통해 정지되고 고정되지 않은 서사적 풍경을 만들며, 그 안에 숨겨진 심리적 미묘함을 드러낸다. 과거와 현재, 인간과 자연, 텍스트와 이미지의 교차점에서 새로운 이야기를 생산해 내는 독특한 여정을 보여준다.

-강정하(포스코미술관 선임큐레이터) 작가 비평 中

허보리의 회화는 연약한 한편 강인하고, 한시적인 동시에 영원한 자연적 존재들의 양가적 속성을 환기한다. 시듦을 전제하고 자라나는 식물들이 한철 피워낸 꽃의 찬란함은 유한한 삶의 가치를 끝없이 탐구하는 사람의 애틋한 생을 함축하여 보여주는 상징과 다름없다.

-박미란(큐레이터, 아라리오갤러리 팀장) 작가 비평 中

꽃의 아름다움과 순간성을 넘어선 작가 7인의 작품들. 이번 전시에서 산책하듯 작품 사이사이를 거닐며 자신의 삶에 대해 사색할 수 있는 시간이 되길 기대한다.

포스코미술관이 3월 15일부터 5월 4일까지 〈RE : union – 재회〉展을 개최한다. 포스코미술관은 2014년부터 신진작가 공모전〈The Great Artist〉을 개최해 젊은 작가들의 폭넓은 창작활동을 응원해왔다. 2022년까지 공모전을 6회 개최했고 신진작가 8명을 발굴, 창작활동을 지원해 미술계와 많은 사람들의 주목을 받았다. 그리고 올해 신진작가 공모전 10주년을 맞아 활발한 활동을 이어오고 있는 작가 여섯 명을 초청해 재회의 장(場) 전시회를 마련했다. 6인의 작가들의 성장 과정을 작가 노트와 함께 돌아본다.

2014년 처음 개최한 포스코미술관 신진작가 공모전은 젊은 작가들의 큰 관심 속에 194명이 참가하는 등 성공적인 첫 발을 내디뎠다. 이후 5년 동안 총 800명이 지원하며 활발하게 운영을 이어왔다. 2016년부터는 참여 연령을 만 40세 이하로 확대해 더 많은 작가들에게 기회의 장을 제공했고, 공모전에서 최종 선정된 작가는 포스코미술관에서 개인전을 개최해 새로운 도약의 발판을 마련했다. 그리고 2023년 3월, 공모전 이후 회화, 드로잉, 사진, 영상 등 다양한 매체를 넘나들며 치열하게 달려온 여섯 명의 작가들이 한자리에 모였다.

▲포스코미술관 신진작가 공모전 포스터

〈RE : union – 재회〉展은 작가 별로 공간을 나누고, 공모전 참여 당시 제작한 작품부터 최근까지의 작품들로 구성해 작업 주제와 재료의 변화 등을 통해 작가들의 성장 과정을 한눈에 볼 수 있도록 했다. 전시를 둘러 보고 난 후에는 여섯 작가들의 새로운 도전과 변화를 만날 수 있는 또 한 번의 ‘재회’를 기대하게 될 것이다. 포스코미술관에서 다시 만난 여섯 작가들의 작품을 지금부터 함께 만나보자.

누군가에게는 이미 한계가 정해진 것 같은 공간이지만, 평면에 불과한 사각의 캔버스는 테두리의 경계를 넘어 무한한 가능성을 숨기고 저에게 다가옵니다. 이 무한함 속에서 어떻게 질서를 만들어 나갈지 망설여집니다… 회화 안에는 분명 작가가 어찌할 수 없는 부분들이 늘 존재하기에 만만하게 대할 수가 없습니다. 그림을 그리는 일상의 반복이 습관화된 표현으로 규정되는 것을 줄이기 위해 오늘도 그저 가만히 바라보는 일을 계속합니다.

역사와 사회가 설정한 단 하나의 권력의 문자, 그리고 완벽한 몸과 같은 정형화된 대상의 관념을 해체하고 이를 제 세계 안에서 재설정하고자 합니다. 고정관념이라는 함정에 빠지기 쉬운 신체와 권력의 활자들은 작업 안에서 분열되고 파괴되어 완전히 새로운 맥락 안에 놓이게 됩니다. 이처럼 저는 인식의 덫으로부터 해방된 기호를 색과 선의 유희 속에 놓고 회화와 드로잉 그리고 설치 미술의 언어로 표현하고 있습니다…역사와 문화가 수립한 견고한 이성의 언어인 활자를 저의 감성의 언어인 드로잉으로 지우고 파괴하면서 저의 정체성을 드러냅니다.

본인의 작업에서는 이미지가 가지고 있는 힘이 중요합니다. 그래서 사이즈를 비교적 크게 하고 색을 제거하였습니다. 색이 이미지를 산만하게 하는 것 같았기 때문입니다…2022년 하반기부터 ‘홀리데이’라는 주제로 작업을 시작했습니다. 각자의 모습으로 휴식을 취하는 현대인들입니다. 이 모습은 온전한 휴식이라 하기에는 어딘가 과장되고 연출된 이미지로써 현대인들의 어떤 무기력함 또는 좌절이나 인내 등의 복잡하고 미묘한 감정을 표현하고자 했습니다. 만성적인 스트레스를 달고 사는 현대인들이 각자가 느끼는 결핍, 이를테면 휴식, 구원, 희생, 사랑, 등을 누리고 탐하는 모습을 조금은 과장되게 연출하여 도시 속 현대인들의 어떤 투쟁적인 모습들을 보여 주고자 하였습니다.

2016년 제작된 <생산자> 연작은 ‘나는 무엇을 생산하고 있는가?’에 대한 물음에서 시작된 작업으로 인위적인 것이 아닌 몸에서 자연스럽게 만들어내는 것을 소재로 했습니다. 이 작업을 시작할 당시에 저는 사과밭에서 일을 하고 있었습니다. <그 사람들> 시리즈는 시골 노동자의 초상화로 그들의 일하는 모습을 통해서 시골의 현실과 일상, 그 주변 풍경을 만들고 가꾸어 나아가는 사람들의 이야기를 담아내고자 했습니다.

제 사진 작업은 컴퓨터로 작업을 한 것이 아닌 실제 공간 속에서 다양한 재료들로 설치 후 아날로그 카메라로 촬영한 순수사진 작업입니다. 콜라주나 포토샵을 이용한 작업이 아니라 실제 공간 속에서 카메라 뷰에 맞추어 가면서 촬영한 것으로 어떻게 보면 굉장히 아날로그적인 방식을 취하고 있지요… ‘이 재료들이 어떻게 놓여있는가?’, ‘이것들은 서로 어떻게 연결되고 나누어지는가?’ 무거움과 가벼움의 조화, 실제와 가상, 추상 속의 구상 등 다양한 내용들은 작업 중에 보면서 결정합니다. 다시 설명하면 주제를 가지고 작업을 시작하는 것이 아니라 작업 과정 속에서 작업의 내용들이 하나하나씩 만들어지는 것이죠.

괴팍했던 세잔은 미친 듯 사과를 그리면서, 본질을 찾는 시도를 합니다. 사과를 향한 관념적인 생각이 들면, 그리고 멈추기를 반복했습니다. 영국의 물리학자 제임스 맥스웰은 세잔의 활동 시기인 1865년 경에 전자기장 역학 이론을 발표했는데, 은둔자였던 세잔은 당시 어떤 식으로든지 맥스웰이 발표한 ‘빛이 곧 파동이자 입자’라는 뉴스를 접하지 않았을까 추측해 봅니다… 계절, 시간에 따라 빛의 산란으로 미세하게 시각을 자극하는 빛과 형태의 일그러짐과 시점 변화에서 비롯된 의구심은 내가 보는 것은 도대체 무엇인가?라는 본질에 대해 질문하게 합니다. 학문 간 어떤 연결성은 우연히, 연결된 듯 보입니다.

젊은 작가들의 성장 과정을 돌아볼 수 있는 <RE : union – 재회>展! 앞으로 우리나라 미술계를 이끌어갈 여섯 작가들의 활약이 기대된다. (포스코미술관 랜선아트투어 보러가기 Click)

※이 콘텐츠는 포스코그룹 통합 소통채널 ‘포스코투데이’를 토대로 제작했습니다.

포스코 미술관이 조선 왕실의 문화적 품격과 아름다움의 진수를 느껴 볼 수 있는 <왕의 정원>展을 준비했습니다. 조선의 진경시대를 열었던 겸재 정선, 풍속화의 대가 단원 김홍도와 혜원 신윤복, 최고의 명필 추사 김정희 등 조선시대 천재화가의 작품을 한자리에서 만나 볼 수 있는 흔치 않은 기회인데요.

문인 화가들의 서화, 궁중 장식화 대표 소재인 수렵도 및 호렵도, 왕실에서 사용한 것으로 추정되는 도자기와 목가구 등 총 55점의 작품을 선보여 오픈 초기부터 그 반응이 뜨겁습니다. 이번 전시에서 특히 주목할 작품은 해외 환수 유물로, 국내에서 처음으로 선보이는 해학반도도10곡병 및 호렵도와 공개 전시를 통해 일반 대중에게 최초로 공개되는 수렵도12곡병, 송하관폭도 등이 있는데요.

어떤 환경 속에서도 긍정과 해학을 잃지 않았던 우리 조상들의 자화상이 고스란히 담긴 ‘왕의 정원’, 그 속에 깃든 미적 정서를 Hello, 포스코 블로그와 함께 만나보시죠!

다시 찾아오기 힘든 특별전, <왕의 정원>展 그 베일을 벗다

2017년 가을, 공아트스페이스와 포스코미술관에서 동시에 개최 중인 <왕의 정원>展은 조선시대 왕실의 문화적 품격과 예술적 진수를 느낄 수 있는 전시입니다.

조선시대 ‘왕의 정원’이라니, 그곳에는 무엇이 있을까요? 재미있게도 왕의 정원에는 그 흔한 정원에 있을법한 꽃과 나무는 하나도 없었습니다. 외부 출입이 제한적이었던 왕을 위해 궁 밖의 세상을 궁 안으로 옮겨 놓은 정원이기 때문인데요. 때문에 조선시대 왕의 정원에는 궁중 화원들이 조선 땅 곳곳을 누비며 기록한 천하절경의 산수, 최고 문장가들의 시, 백성들의 삶을 기록한 글과 그림이 가득합니다.

<왕의 정원>展에서 조선시대 회화의 정수를 보여주는 ‘삼원·삼재’를 중심으로 한 왕실의 화원들과 문인화가들이 그린 산수, 화조 등 다양한 화목의 그림과 최고의 서예가들의 글씨, 왕과 대비전에서 사용했던 도자기, 왕이 사용한 침상을 비롯한 왕실 목가구 등 57점의 작품을 한자리에서 만나볼 수 있는데요.

이외에도 왕이 곁에 두고 감상했다고 하는 책가도, 수렵도, 호렵도, 해학반도도, 화조도 등 화원화가들에 의하여 제작된 궁중장식화는 이번 전시의 백미입니다. 관객들에게는 궁중장식화의 연원을 새롭게 이해할 수 있는 기회가 될 것이라고 생각되는데요. 백문이 불여일견! 포스코미술관 <왕의 정원> 도슨트를 따라가며 대표 작품에 담긴 의미와 그 해석을 들어봤습니다.

작년도 12월, 신진 작가분들의 예술 활동을 지원하는 ‘제3회 포스코미술관 신진작가 공모전’이 열렸습니다. 이번 공모전에서 1:141의 치열한 경쟁을 뚫고 최종 대상작에 오른 한경원 작가의 『가경(佳境) – 한경원 개인전』이 7월 25일(화)까지 포스코미술관에서 전시 중에 있습니다.

오늘 Hello, 포스코 블로그에서는 작가의 열정이 가득 묻어난 개인전 <가경(佳境)>의 내용 및 일정 소식은 물론, 한경원 작가와의 인터뷰 내용 또한 소개해 드리려고 합니다. 자세한 이야기를 지금 만나 보겠습니다!

불로 산수화를 그리다, <가경(佳境)> 한경원 개인전 개최

한경원 작가는 이번 전시를 통해 목판, 이쑤시개를 불로 태워 그을음으로 산수를 표현한 회화 총 21점을 선보입니다. 일반적으로 산수화라 하면 종이와 먹, 한지를 사용하여 표현하는데 반해 한경원 작가는 붓이 아닌 불을 사용하여 산수를 형상화했습니다.

특히, 이번 전시에서 처음 선보이는 길이 14.4m의 『ash-74』 대형 산수 작업과 판타지 풍경은 한경원 작가가 그동안 선보였던 작업의 연장선으로, 표현 대상에 대한 보다 진화하고 발전된 형상을 보여주고 있습니다. ‘경치 좋은 곳’을 의미하는 ‘가경(佳境)’이 펼쳐질 전시장에서 불로 그린 산수화 작품들과 함께 작가의 예술에 대한 끝없는 도전과 열정을 직접 느껴보시길 바랍니다.

<가경(佳境)>의 주인공, 한경원 작가를 만나다

Q. 제3회 포스코미술관 신진작가 공모전 대상 수상을 축하드립니다! 소감 한 마디 부탁드립니다.

먼저 말로 표현할 수 없을 만큼 기쁩니다. 1차 포트폴리오 심사를 거쳐 순수회화부터 사진, 조각(설치)까지 다양한 장르의 작가분들께서 2차 본선에 참여하신 것으로 알고 있는데, 제가 대상의 주인공이 되다니 영광스럽습니다. 수상소식을 접하고 처음에는 포스코미술관 개인전 기회가 주어졌다는 생각에 마음이 벅찼지만, 이후에는 커다란 전시 공간을 어떻게 채워야 하는지에 대한 고민이 더 깊었던 것 같습니다.

작품과 전시회 공간, 그리고 관람자가 하나가 되어 공감과 몰입을 일으킬 수 있도록 구성에 많은 정성을 쏟았습니다. 제가 본 전시회에 남다른 애정과 열정을 보이는 이유는 저를 뽑아주신 분들에 대한 감사함과 함께 2차 본선에 참여했던 여러 작가분들에 대한 예우라고 생각합니다.

무엇보다 전시회에 다녀가시는 분들이 작가 한경원을 떠올렸을 때 저에 대한 이미지를 떠올리는 데 소중한 계기가 되었으면 하는 바람입니다.

Q. 작품 활동은 언제부터 하셨는지, 본인의 화풍에 대해 소개한다면?

대학 시절부터 산수화를 그렸습니다. 동양화과에 입학하고 스승께서 계속 산을 그려오라 하셔서 산을 그렸고, 그러다 보니 흥미가 생겨 일주일에 최소 3번 산에 갔습니다. 산에 오르는 것이 좋았고, 그리는 것이 좋았기에 학년이 올라가도 저 혼자만 산수를 하게 되었습니다.

하지만 전통 산수화와 다를 바가 없는 작품을 계속 해오던 어느 날 저의 스트레스는 극에 달하였고 과제를 태워버리게 되었습니다. 태워버린 그 과제는 여태껏 붓으로 그린 제 작품들 보다 훨씬 생동감이 있고 먹감이 좋았습니다. 그을음이 가지는 재료적 질감은, 먹이 가지는 그리고 동양화가 가지는 가장 근원적인 느낌이라는 깨달음이 왔고, 무언가에서 탈피한 기분이었습니다.

이번 전시에서도 목판과 이쑤시개 일부를 불(火)로 태워 그을음으로 산수(山水)를 표현해 봤습니다. 일반적으로 산수화는 종이와 먹 그리고 한지를 사용하여 표현하는데, 저는 붓이 아닌 불을 사용하여 자연을 형상화하고 있다는 점이 기존 산수화 작품들의 화풍과 차이가 있다고 말씀드리고 싶습니다.

특히 작품 그 자체보다 작업의 양면적 기질을 나타내기 위해 생성, 소멸시키는 과정을 중요시 여기게 되었습니다. 저는 작업을 태웁니다. 그것이 타면서 제 생각도 같이 태워집니다. 다 타고나면 작업은 하나의 빈 그릇이 됩니다. 이 그릇에서는 요란한 소리가 납니다. 비어냈지만 빈 것은 아닙니다.

Q. 개인전을 위해 새로 준비하신 작품이 있는지? 향후 기타 사물/인물을 작업할 계획은 없는지?

이번 전시회를 위해 총 6가지 작품을 새로 작업했습니다. 대부분 먹색을 사용했지만 스케치한 지역이나 공간이 주는 독특한 색감이 있다면 옅은 유채색을 더하기도 했습니다. 먹색은 색의 총합이자, 화려한 색채에서 느끼기 어려운 절제미를 표현할 수 있는 좋은 선택지라고 생각합니다. 주로 산수화를 그리는 이유는 한국적인 미술의 의미를 찾아가고자 하는 과정에서 가장 시대의 변화를 타지 않는 자연 그 자체의 느낌을 표현하고 싶었기 때문입니다.

향후에는 반드시 산수화가 아닐지라도 저만의 색깔을 표현하고 알릴 수만 있다면 소재는 크게 국한하지 않을 생각입니다. 최근 대중 예술의 트렌드를 대세로 따라가는 것도 좋겠지만, 가능하다면 전통적인 것과 현대적인 것을 접목하여 자연과 같이 원초적인 것이 주는 에너지에 대하여 이야기하고 싶습니다.

Q. 메세나 활동에 앞장서고 있는 포스코에 바라는 점, 신진 작가들에게 한 마디!

지난 2014년부터 포스코가 예술계 신진작가 발굴 및 지원 등 메세나 활동을 이어오신 것으로 알고 있습니다. 제가 참여했던 신진작가 공모전도 그 일환이라고 생각합니다. 앞으로도 포스코의 좋은 시설과 인프라, 네트워크를 실력 있는 젊은 작가들이 함께 영유함으로써 예술의 장(場)을 넓게 펼쳐나가길 바랍니다.

저와 같은 신진 작가분들께 전하고 싶은 한 마디는 ‘현실과 이상향의 경계를 직시하라’는 것입니다. 예술은 작가 본인의 정체성을 작품 속에 투영할 수 있다는 점에서 그 어떤 것보다 가치있고 아름다운 행위이지만, 노력한 대가만큼 ‘돈 잘 버는 일’로 평가받기 어려운 것이 사실입니다.

그렇기 때문에 저 또한 현실적으로 부딪힐 수 있는 어려움들을 먼저 해결해 낸 후 예술적인 창의를 펼쳐가고 있습니다. 그렇지 않으면 어느 순간 작가 본인이 표현하고 싶은 세계관이나 자존감, 정체성을 잃어버릴 수 있기 때문입니다. 부디 작가분들이 단단한 내면의 힘을 지니고 예술 본연의 아름다움을 널리 표현하셨으면 좋겠습니다.

제3회 포스코미술관 신진작가 공모전 대상에 빛나는
한경원 작가의 개인전 <가경(佳境)>
다가오는 주말, ‘경치 좋은 곳, 가경(佳境)’이 펼쳐질
포스코미술관으로 향해보는 건 어떨까요?

포스코는 지난 2014년부터 예술계의 신진 작가들을 발굴 및 지원하는 메세나 활동을 지속적으로 이어오고 있는데요. 포스코미술관을 통해 실력 있는 젊은 작가의 개인전 개최를 지원하는 ‘신진작가 공모전’이 그 일환입니다. 벌써 3회를 맞은 이 대회에, 올해도 주목할 만한 작품들이 여럿 출품되었는데요. 그 본선 진출작들을 Hello, 포스코 블로그와 함께 보시죠!

제3회 포스코미술관 신진작가 공모전 개최

올해 신진작가 공모에서는 1차 포트폴리오 심사를 거쳐 순수회화부터 사진, 조각(설치)까지 다양한 장르의 작가 11명을 선발했는데요. 이들을 대상으로 2차 본선 전시 역시 개최되고 있습니다.

이번 전시는 관람객들에게 젊은 예술가들의 열정과 함께 신선하고 새로운 느낌을 전해 줄 텐데요. 11명의 작가 중 최종 심사를 통해 선발되는 최종 작가에게는 2017년 포스코미술관 개인전의 기회가 주어지는 만큼, 현장에서는 기대와 긴장감이 흐를 것으로 예상됩니다.

이 작품들을 눈으로 직접 확인하고 싶으신 분들은, 12월 30일(금)까지 서울 포스코센터 지하1층 포스코미슬관으로 찾아오시면 누구나 관람이 가능합니다.

작가들이 말하는 나의 작품

강주리(1982~)

돌연변이 동물과 식물을 그림으로써 저는 현대 사회 속에서의 ‘자연’의 의미에 대해 질문해봅니다. 지금의 사회 속에서 ‘자연’은 무엇일까요? 무엇이 ‘자연스러운’것일까요? 저의 작업 속에서 나타나는 주제들은 이런 정의의 애매모호함을 보여주는데요. “과연 현대 사회 속에서 어디까지가 자연인가?”라는 질문 앞에서 어쩔 줄 모르는 저의 어지러운 감정 역시 드러나게 됩니다.

현대 과학 기술이 발달함에 따라 이종교배, 유전공학과 같이 인간이 자연 진화 과정을 조종할 수 있고 변경할 수 있는 방법들이 많아지고 있는데요. 우리는 인간 진화 과정의 결과를 자연의 일부로 받아들여야 할지, 아니면 자연은 인간의 발전과 무관하게 독립적으로 존재해야 하는 것인지, 궁금하기도 합니다. 이번 전시 속 작품이 자연을 사랑하면서도 동시에 자연과 팽팽하게 힘겨루기를 하고 있는 우리의 모습을 반영하는 살아있는 예술이기를 바랍니다.

권인경(1979~)

인간은 그들이 속해 있는 장소나 특정 공간, 사물에서 기억과 기대감, 그리고 추억을 만들어냅니다. 인간과 장소, 인간과 사물이 맺은 관계는 자아, 정체성, 개인사, 추억 등 지극히 개인적인 문제들을 건드리는데요. 특정 트라우마를 경험한 사람들은 이것이 침해를 당하기 때문에 불안한 정서를 느끼게 됩니다. 그 결과로 그들은 자신만의 치유공간이나 대상 물건을 만들어 안식을 느끼고자 하는데요.

이는 특정한 장소가 될 수도 있고 자신이 친숙한 동네나 집, 개인의 방 혹은 특정 사물이 될 수도 있습니다. 특정 장소나 물건을 통해 시간적, 공간적 거리가 극복되고, 이는 기억의 버팀목이 되며 때로는 공간을, 사물을 의인화하기도 하며 기억, 추억을 상상의 영역으로 끌어내기도 합니다.

김춘재(1981~)

<강산무진>의 배경은 송도국제도시의 개발 현장입니다. 개발이라는 사건은 우리의 인식이 현실 공간을 취향에 맞게 구축시키는 과정이며, 곧 인식에 의한 세계의 구축이라고 볼 수 있습니다. 이러한 인식이 만든, 홀로그램 같은 존재의 표면 위에서 ‘개발’이라고 명명된 세계의 구축 과정을 역사라고 부르기도 하죠. 일련의 과정을 통한 개발의 패러다임은 현실의 물질적 결핍을 자위시켜주고, 개발 현장의 공간적 황폐함은 상대적인 삶의 윤택함을 반증시켜주는 장치가 된다고, 저는 보았습니다.

이것은 하나의 판타지이기도 합니다. 개발 이후에 올(것이라 상상하는) 편리를 획득하기 위해서, 미래의 행복을 꿈꾸며 지금의 삭막함을 자위하는 것이죠. 곧 ‘개발현장’이란 유토피아적 판타지이며 ‘발전’이라는 꿈으로 불안한 미래를 담보하는 삭막한 현실의 표상입니다.

저는 개발현장을 세계의 구축과 해체가 동시에 진행되는 현실공간으로 보았습니다. 작품 속에서 현실의 풍경은 관념산수의 거대한 서사적 형식으로 전환되고 그 안에 가공된 세계의 파편들이 작위적으로 구축됩니다. 무릎 높이를 넘지 않는 흙무더기의 현장은 제가 전지적 시점으로 대지를 바라보는 듯한 느낌을 주었습니다. 하늘 높은 곳에서 대지를 관조하는 신적인 존재, 그 위치에서 작위적으로 구축시킨 세계의 풍경, 그것의 끝없는 전개-이것이 제가 구축시킨 세계, 강산무진입니다.

박석민(1982~)

본 작업에서 저는 사회적인 관점이 아닌 이슈와 흔적, 기능, 역할들이 조우하는 네트워크로서의 공간을 다루고자 했습니다. 일상 속에서 문맥화나 언어화할 수 없는 어떤 정보나 축적된 시간을 숨기고 있는 듯 보이는 사물의 배치 혹은 형태들을 수시로 수집하고, 누적된 사이사이에서 길을 잃은 우발적인 상상들을 작업으로 끌어들여 그것들을 재배치하고, 작가적 해석을 통하여 작업 내부로 끌어들이는 것인데요. 익숙하지 않은 감각들은 불안이라는 감정을 불러일으키기도 하지만 어쩌면 우발적인 상상은 단지 망상이 아니라 또 다른 감각의 여지 및 단초일 수 있죠.

이러한 과정의 ‘타인의 시간’은 서사적 문맥이나 내러티브를 만들어내려는 목적이 아니라 비록 한 공간에서 함께 존재하지만 장소성으로부터 고립에 놓인 개개인을 향한 불편한 응시의 구조와 일상 속에 숨어있는 숨죽일 수밖에 없는 상황의 감각을 환기하게 합니다.

양승원(1984~)

작품 사진의 대상은 재개발 지역을 관찰, 분양, 진행 상황을 보기 위해 생성된 전망대들, 관광명소의 전망대들, 국가의 정책에 의해 생성된 전망대들 등 각기 다른 목적으로 인해 생성된 건축물들입니다. 이러한 전망대(타워)들은 경제적인 기능들을 위해서 만들어졌고, 독특한 모양들은 기능의 필요성에 의해서 결정된 것인데요.

때로는 이런 구조물들은 방랑적인 건축물들이기도 하며, 자연과 함께 생성, 소멸하게 됩니다. 이 구조물들은 일시적으로 한때 존재하는 형태를 보여주기도 하며, 기능적인 필요 때문에 만들어낸 형태를 지니고 있죠. 사진상 대상이 된 건축물들은 제 스스로 ‘그들’과 같이 되기를 원하기도 하며, 때로는 그것들을 부정하기도 하는 이중성을 지니고 있습니다.

이세정(1988~)

제가 마드리드를 찾았을 때, 도시의 전반적인 느낌은 매우 밝고 경쾌하게 다가왔습니다. 멋진 고건축물들이 많았는데 그중에서도 가장 기억에 남았던 건 바로 마요르 광장이었습니다. 붉은색의 벽돌로 구축된 직사각형 모양의 광장에 들어서려면 상대적으로 좁은 골목을 통과해야 했는데, 바로크 양식의 광장에 들어선다기보다는 마치 거대한 저택의 좁은 복도를 지나 널찍한 방이나 안마당으로 들어가는 느낌이었죠. 그곳의 붉은 벽돌은 당시 제가 느낀 마드리드라는 곳의 날씨와 분위기에 매우 잘 어울리는 색이라 생각했었고, 그렇기에 지금까지도 마드리드를 떠오르게 하는 색감은 붉은색입니다.

또 평소 여행을 가기 전 구글 지도로 위치나 이동 방법을 찾고, 철저하게 계획을 세우는 저에게 있어 여행의 설렘을 제일 먼저 담아내는 것이 ‘지도’입니다. 여행 중에도 지도는 항상 들고 다니는 필수 지참물이기도 하죠. 그렇기에 지도를 보면 다녔던 곳들의 위치를 쉽게 찾을 수 있고, 그곳을 떠올리게 해주어 중요한 기억의 매개체라 볼 수 있습니다.

장용선(1980~)

모든 존재는 이 위대한 자궁인 우주로부터 왔습니다. 생명도, 세포도, 별도 그렇습니다. ‘나는 어디로부터 왔는가?’에 대한 의문과 물음이 세포에 주목하게 했고 우주로 귀결되게 한 것이죠. 세포가 생명의 최소단위라고 한다면 행성은 우주의 최소단위에 해당합니다. 세포가 원형물질(생명수)을 자양분 삼아 유기체의 기관(몸) 속을 자유롭게 유영하는 것처럼 행성은 망망대해 우주의 바다를 정처 없이 떠돕니다. 우주는 말하자면 원초적 생명이 유래한 거대한 자궁이며 매트릭스에 해당하는 것일지도 모르겠습니다.

칠흑 같은 천궁에서 발광하는 별은 제가 꾸는 꿈속에서 반짝이는 별빛과 통합니다. 그렇게 저는 밤과, 어둠과, 하늘과 교신하면서 스스로가 우주에 연속된 것임을 알게 되었죠. 저는 이런 생명의 신비이자 우주의 비의를 Luminescent in Darkness, 곧 ‘어둠 속에서 발광하는 빛’이란 주제로 풀어내봤습니다.

정유미(1982~)

The wall in the mind Ⅲ는 우리 주변의 버려진 스티로폼들이 가지런히 정렬되어 있거나 무작위로 쌓여있던 모습에 대한 관찰로 시작된 작업입니다. 스티로폼은 매우 가볍지만, 덩어리가 크고 무엇을 임시적으로 보호하기에 유용한 물질입니다. 그렇기에 시각적으로 무엇을 감추기 위한 벽을 형성하기 쉬운데요. 하지만 큰 부피에 비해 가벼운 무게의 스티로폼은 튼튼한 경계의 벽을 유지할 수는 없습니다.

작품 화면 속의 덩어리는 스티로폼들이며, 쌓아져 있는 스티로폼 벽은 어느 한 부분만 건드리면 순식간에 무너지게 됩니다. 이 스티로폼 시리즈 작업은 일상 속 사람들이 타인과의 관계 사이에 존재하는 심리적인 경계에 대해 그리고 있습니다. 심리적 거리감은 가시적으로 표현되기 어려운 영역이며, 그 심리적 경계는 단단하거나 부드러울 수 있고 혹은 한순간에 녹아내리는 막일 수 있습니다. 이를 스티로폼의 물성적 특성과 연결해 표현했습니다.

정지연(1984~)

‘카라트’는 결정들이 성장해 가는 하나의 인공체입니다. 이 내부에 유기체적인 형체로 결정화가 이루어집니다. 어떤 구체화 과정으로, 또 그 소멸의 흔적으로 우리들을 한 ‘생성’이라는 꿈으로 초대할 것입니다.

10개의 소리관과 9개의 씨앗 형체의 유리들로 구성되어 있으며, 모든 구성요소안에 빛들이 심겨져 있습니다. 유리 안에 각기 다른 종류의 소금 계열의 화학 용액이 담겨지며 빛을 중심으로 자신의 결정화가 이뤄집니다. 소리관은 저주파 발생을 일으키며 연결되어 있는 결정화 과정에 미묘한 영향을 주어 화학용액의 결정화는 다르게 변화합니다.

안과 밖 온도 차이에 기반된 끊임없이 변주되는 실시간 과정의 빛과 소리는 이 체계의 숨결을 이어가며, 어떤 한 가 상계의 생성에 관한 이야기를 들려주려 하는 듯합니다.

다이아몬드와 흑연, 이 둘은 모두 같은 탄소 원소로만 이루어졌지만, 우리에게 그 둘은 완전히 다르게 인식됩니다. 이처럼 해석을 위한 말들과 알려진 일반적 가치를 이미 넘어선 곳에서, 어떤 한 물질과 그 결정화 / 생성 과정 속에 시인의 시선으로 우리 자신의 투영을 해보는 것은 우리에게 가능한 일일까요?

정지현(1979~)

저는 주변의 소소한 풍경을 사회적 이슈 혹은 기억과 연결해 작업해 왔습니다. 이 작업은 사과밭에서 일하면서 벌어지는 저의 수많은 행위들 중 하나로 화장실이 없어 벌어지는 일에 대한 것입니다. 사과밭 한구석에 앉아 일을 보면서 수많은 생각에 잠겼는데요. 저 사과나무가 생산하는 것과 제가 생산하는 것, 그리고 저의 행위를 뒤돌아보면서 저 나무에 무슨 짓을 하고 있는지 생각해 보았습니다.

나무를 잘 가꾼다는 미명 아래 나무를 못살게 굴어 사람들이 원하는 상품을 만들어 내도록 강요하고 각종 병충해를 막아준다는 구실로 독한 농약을 뿌려댑니다. 결과적으로 저는 오염된 토양과 거름으로 쓸 수도 없는 저의 생산물만 남겨놓을 뿐이죠. 나무는 그저 자연의 섭리대로 살고 싶을 것입니다. 그러나 대부분의 과실나무들은 유전형질이 바뀌어 내버려 두면 죽도록 만들어져 있습니다. 그리고 10년의 수명이 다하면 생산량이 떨어져 결국 뽑혀져 밭 한구석에 버려질 것입니다. 주변 환경에 대한 작업을 하면서 결국 제가 만들어 내는 것은 오염물질뿐 최대한 오염이 적은 물질들로 작업하는 것이 제가 할 수 있는 최선인 것 같습니다.

한경원(1985~)

대학 시절부터 저는 산수화를 그렸습니다. 동양화과에 입학하고 스승께서 계속 산을 그려오라 하셔서 산을 그렸고, 그러다 보니 흥미가 생겨 일주일에 최소 3번 산에 갔죠. 산에 오르는 것이 좋았고, 그리는 것이 좋았기에 학년이 올라가도 저 혼자만 산수를 하게 되었습니다. 하지만 전통 산수화와 다를 바가 없는 작품을 계속해오던 어느 날 저의 스트레스는 극에 달하였고 과제를 태워버리게 되었습니다. 태워버린 그 과제는 여태껏 붓으로 그린 제 작품들 보다 훨씬 생동감이 있고 먹감이 좋았습니다. 그을음이 가지는 재료적 질감은, 먹이 가지는 그리고 동양화가 가지는 가장 근원적인 느낌이라는 깨달음이 왔고, 무언가에서 탈피한 기분이었습니다.

저는 작품 그 자체보다 작업의 양면적 기질을 나타내기 위해 생성 시키고 소멸시키는 과정을 중요시 여기게 되었습니다. 저는 작업을 태웁니다. 그것이 타면서 제 생각도 같이 태워집니다. 다 타고나면 작업은 하나의 빈 그릇이 됩니다. 이 그릇에서는 요란한 소리가 납니다. 비어냈지만 빈 것은 아닙니다.

포스코미술관이 야심차게 이어오고 있는
신진작가 공모전에 대한 많은 관심 부탁드리며,
시간이 되시는 분들은 전시에 한번쯤 찾아오셔서
미래를 이끌어 갈 미술계 젊은 인재들의 작품을
직접 확인해보시는 건 어떨까요?