포스코미술관은 8월 19일부터 11월 9일까지 잊혀진 조선 미술사의 한 장을 새롭게 펼친다. 이번 기획전 《The Hidden Chapter – 오백 년 만에 돌아온 조선서화》에서는 일본 교토의 고미술품점 이조당(李朝堂)을 운영하며 40여 년간 한국 고미술품을 수집해온 이리에 다케오(入江毅夫)의 ‘유현재(幽玄齋)’ 컬렉션을 국내 최초로 공개한다. 조선 초기부터 근대에 이르는 산수화, 인물·풍속화, 화조·영모화, 궁중화, 불화, 서예 등 다양한 장르가 망라되어 있으며, 조선통신사로 일본을 방문했던 화원들의 귀중한 회화작품도 만나볼 수 있다.

오랜 세월 타국에 머물렀던 조선 서화와 예술혼을 마주할 수 있는 이번 전시를 통해 우리 문화재의 역사적 가치와 예술성을 재발견하며, 조선 미술사의 빈 페이지를 채워나가는 특별한 경험을 하게 되기를 바란다.

‘유현재(幽玄齋)’는 고미술품 수집가 이리에 다케오(入江毅夫)가 자신의 자택에 붙인 당호다. 그는 유현재를 통해 조선과 일본의 문화 교류 속에서 전해진 조선 화원, 문인, 중인, 통신사 등 다양한 계층의 글씨와 그림을 수집해 왔다. 1996년에는 중국과 한국의 고미술품 730여 점을 수록한 『유현재선 한국 고서화도록(幽玄齋選韓國古書畵圖錄)』 을 발간해 한국 고미술계에 큰 반향을 일으켰고, 유현재는 일본의 저명한 한국미술 소장처로 알려지게 된다. 이듬해 재일교포 3세 수장가 나카무라(中村)에게 유현재 컬렉션이 넘어갔으나, 나카무라의 사망 후 한국 관련 소장품 125점이 민간의 노력으로 한국에 환수됐다.

올해 한일 수교 60주년을 맞아, 오백 년 만에 고향으로 돌아온 우리 민족의 예술혼이 담긴 작품들을 포스코미술관에서 국내 최초로 선보인다. 이번 전시를 통해 문화재 환수가 역사적 진실 복원과 민족 자긍심 회복에 끼치는 의미를 알리고, 조선회화사 연구에 중요한 기초 자료를 제공하여 학술 연구의 기회를 마련하고자 한다.

포스코미술관은 동시대 미술뿐만 아니라 최근에는 고미술 전시도 함께 선보이며, 시대와 장르의 경계를 넘나드는 예술의 가치를 더 많은 이들과 나누고자 새로운 시도를 이어가고 있다. 이번 전시에는 이러한 바람이 담겨 있다. 전시를 감상하는 동안 미술관이라는 공간에서 우리의 옛 그림과 글씨를 쉽고 친근하게 감상하는 기쁨을 경험할 수 있을 것이다. 아울러 한국미술의 가치와 변화 과정을 재조명하는 뜻깊은 계기가 되기를 기대한다.

오백 년의 시간을 넘어 다시 우리 곁으로 돌아온 조선의 서화.

이번 전시가 우리 문화의 깊이와 아름다움을 가장 가까이에서 느낄 수 있는 소중한 기회가 되기를 바란다.

※정기 도슨트 안내 : 전시 기간 중 매일 12:30, 15:00 두 차례 진행, 별도 신청 없이 참여 가능.

포스코미술관이 5월 19일부터 7월 13일까지 꽃이라는 매혹적인 소재를 통해 동시대 작가들이 풀어내는 삶의 풍부한 이야기를 담은 기획 전시 《꽃: 찬란한 찰나》를 개최한다. 생의 가장 찬란한 순간을 중심으로 삶과 죽음, 성장과 소멸이라는 인생의 여정을 다채롭게 조망한 김서울, 김시종, 박이도, 박종필, 박형진, 진민욱, 허보리 총 7인의 작품을 소개한다.

동양과 서양을 비롯한 각 문화의 미술작품에 등장하는 꽃은 그 사회의 역사, 철학, 가치 체계에 따라 다양한 해석과 상징적 의미를 지닌다. 그러나 많은 경우, 이러한 의미들은 ‘현재에 충실하자(Carpe diem)’와 ‘죽음을 기억하라(Memento mori)’라는 메시지로 귀결된다. 이는 인생의 유한함을 깨닫고 현재의 삶에 집중할 때 죽음에 대한 두려움도 사라지게 된다는 뜻이다. 이번 전시에서는 고유의 시각과 기법으로 꽃의 아름다움과 순간성을 넘어서는 작가들의 작업을 통해 삶의 다층적인 측면과 숨은 의미를 살펴보고자 한다.

김서울의 반려식물이 전하는 위로, 김시종의 꽃 정물에 담긴 생의 찬란함과 덧없음, 박이도의 공감각적 정원에 깃든 숨은 감정과 기억, 박종필의 화려한 꽃들의 향연이 은유하는 인간의 삶, 박형진의 자연의 색채에 기록된 시간과 생의 흔적, 진민욱의 풍경에서 마주한 현실 속 잊힌 세계, 허보리의 의인화된 식물과 꽃의 표상들까지. 꽃을 조망한 이들의 작품은 시각적 즐거움과 함께 잊힌 감각을 일깨울 것이다.

김서울이 처음 머릿속으로 그린 이미지는 수많은 작업 과정에서 개입되는 물질과 시간에 의해 달라지기 때문에 모든 판이 쌓여 완성되고 나서야 비로소 작품을 제대로 마주하게 된다. 우리의 인생이 계획과 다르게 흘러갈 때가 있는 것처럼 판화 작업은 계획성과 우연성의 만남으로 귀결된다.

-강정하(포스코미술관 선임큐레이터) 작가 비평 中

김시종은 네덜란드 정물화를 오마주한 실제 꽃병을 설치한 뒤 사진으로 촬영하고, 후반 작업을 통해 나비, 무당벌레, 박쥐 등을 디지털로 합성해 이미지를 완성한다. 생의 찬란함과 덧없음, 실제 자연과 인공의 손길이 병치된 이미지들은 바니타스(Vanitas) 회화*의 현대적 계승처럼 보인다.
*바니타스(Vanitas) 회화: 16세기 중·후반에서 17세기에 이르는 바로크 시대에 성행했던 미술 사조로 삶의 덧없음을 일깨워주는 정물화 그림들이다.

-김지연(미술비평) 작가 비평 中

박이도의 작품세계에 있어 정원은 대자연의 한가운데 선 인간의 작은 몸 안에 응축된 기억의 세계를 은유하는 상징이다. 풍경의 내부를 거닐며 보고 만진 자연의 편린들이 물감의 층처럼 축적되어 각자의 내면세계에 가꾸어 낸 정원은 저마다 내밀한 사유지인 한편, 보편적으로 서로 닮은 본질을 지닌 공명적 소재이다.

-박미란(큐레이터, 아라리오갤러리 팀장) 작가 비평 中

박종필의 꽃은 과거와 미래를 연결하는 ‘지금’의 순간을 생생히 드러내며, 순간의 아름다움을 더 깊이 음미할 때 삶의 진정한 의미와 가치를 발견할 수 있음을 시사한다. 그의 회화는 시간을 잠시 멈추게 하여 우리가 쉽게 지나쳐 버리는 현재의 순간을 영원한 이상향으로 승화시킨다.

-강정하(포스코미술관 선임큐레이터) 작가 비평 中

박형진은 눈앞에 있지만 우리가 쉽게 발견하지 못하는 존재들을 화면의 정중앙으로 소환한다. 단지 찰나를 화면 위에 박제하는 것이 아니라 ‘지금’이라는 순간을 거쳐 간 작은 생의 결과 질감을 더듬는다. 비인간 존재가 가진 생의 리듬을 오롯이 존중하는 일이다.

-김지연(미술비평) 작가 비평 中

진민욱은 동양적 미학을 현대적 맥락에서 해석하는 과정을 통해 정지되고 고정되지 않은 서사적 풍경을 만들며, 그 안에 숨겨진 심리적 미묘함을 드러낸다. 과거와 현재, 인간과 자연, 텍스트와 이미지의 교차점에서 새로운 이야기를 생산해 내는 독특한 여정을 보여준다.

-강정하(포스코미술관 선임큐레이터) 작가 비평 中

허보리의 회화는 연약한 한편 강인하고, 한시적인 동시에 영원한 자연적 존재들의 양가적 속성을 환기한다. 시듦을 전제하고 자라나는 식물들이 한철 피워낸 꽃의 찬란함은 유한한 삶의 가치를 끝없이 탐구하는 사람의 애틋한 생을 함축하여 보여주는 상징과 다름없다.

-박미란(큐레이터, 아라리오갤러리 팀장) 작가 비평 中

꽃의 아름다움과 순간성을 넘어선 작가 7인의 작품들. 이번 전시에서 산책하듯 작품 사이사이를 거닐며 자신의 삶에 대해 사색할 수 있는 시간이 되길 기대한다.

해럴드 렌츠가 고안한 ‘팝업북’이라는 용어는 움직이는 요소를 가진 모든 책들을 대표하는 단어가 됐지만, 이전에는 무버블 북(movable book), 토이 북(toy book), 애니메이티드 북(animated book), 액션 북(action book), 매직 픽처북(magic picture book), 시닉북 (scenic book) 등 다양한 명칭으로 불렸다. 출판 시장 불황기에 돌파구 역할을 한 팝업북은 사실 어린이만을 위한 그림책이 아니다. 이는 책과 장난감의 경계에서 독특한 예술성과 조형성을 인정받아 일본 무사시노 미술대학 도서관 주요 컬렉션으로 인정받을 정도로 책의 역사에서 중요한 자리매김을 하고 있다.

출판의 모든 과정이 기계화되고 전자책으로 독서를 하는 지금, 팝업북은 유일하게 사람의 손이 필요한 책으로 남아있다. 독자의 적극적인 행위를 통해 평면적 종이가 입체적인 책으로 변모하게 되는 팝업북은 종이책의 역사에서도 큰 의미를 지닌다.

13세기 영국 수도사인 매튜 패리스는 최초의 움직이는 종이인 <볼벨(Volvelle)>을 만들었다. 중세 수도원에는 축일이나 부활절을 결정하는 원반이 그려진 책이 있어 수도사들은 그 원반을 참고해 해마다 축일 날짜를 정했다. 그런데 책이 크고 무거워 돌리는 게 쉽지 않았다. 패리스는 “책 대신 원반만 돌게 하면 어떨까?”라는 아이디어를 떠올렸고, 양피지에 원반을 그린 뒤 잘라서 페이지 중간에 부착했다.
이후 실용적, 교육적, 상업적인 목적으로 움직이는 책이 제작되면서 팝업북은 점차 진화했다. 16세기 이전 팝업북은 주로 의학이나 과학, 혹은 천체 분야에서 교육적 목적으로 이용했지만 18세기부터 아이들을 위해 제작되면서 장난감처럼 쓰였다.

1878년 아들의 크리스마스 선물로 만든 움직이는 책(Lebende bilder)을 계기로 팝업북을 출판하기 시작한 메켄도르프는 19세기 말부터 20세기 초반까지 다양한 팝업북을 출간했다. 메켄도르프는 그림 뒷면에 부착된 지렛대에 철사를 돌돌 말아 만든 작은 못을 박았는데, 탭을 당기면 못으로 연결된 지렛대가 움직이며 전면 그림이 다양한 동작을 하게 된다. 이전에도 탭을 당겨 그림 속 인물의 표정을 변하게 하거나 움직이게 하는 팝업북은 있었지만 한 장면에서 여러 가지 동작을 동시에 실행한 것은 메켄도르프가 최초였다.

펼쳐서 세우면 130㎝가 되는 인터내셔널 서커스(Internationaler Circus)는 서커스 광경을 6장에 담은 입체 파노라마 북이다. 말 위에서 묘기를 부리는 모습, 링을 통과하려는 여자 곡예사, 묘기를 보며 놀라는 관객 등 450개에 달하는 다양한 인간 군상이 그려져 있다. 메켄도르프 작품 중 최고의 걸작으로 평가받는 이 책은 메트로폴리탄 미술관 복간본 등 다양한 버전으로 출판되며 여전히 사랑받고 있다.

에른스트 니스터는 1890년 첫 팝업북인 <파노라마 픽쳐스(PANORAMA PICTURES)>를 출판한 후 빅토리아 시대 부유층 아이들을 주 독자층으로 한 정교하고 우아한 팝업북을 다수 출판했다. 에른스트 니스터의 대표적인 기법은 ‘리볼빙 픽쳐(revolving picture)’로 다른 두 개의 그림을 두 장의 원반에 그린 후 여섯 장으로 잘라내 그림 조각들을 중심에 맞춰 동그랗게 배열하는 것이다. 원반의 가장자리에 있는 리본을 돌리면 밑에 숨겨져 있던 그림과 위의 그림이 교차하면서 숨어 있던 그림이 나타나 만화경 같은 이미지를 연출한다. 언제나 잘 차려입고 즐겁게 뛰노는 빅토리아 시대의 이상적인 아동들을 그린 니스터의 팝업북은 당시 큰 인기를 끌었다.

1930년 루이스 기로드는 <칠드런즈 애뉴얼(CHILDREN’S ANNUAL)>이란 팝업북을 세상에 선보였다. 펼쳤을 때 가운데서 그림이 스스로 일어서고 책을 펼치고 닫을 때마다 나무꾼이 톱으로 나무를 베거나, 광대가 철봉을 넘는 동작이 나타났다. 게다가 전면에서만 볼 수 있는 이전 팝업북과 달리 현대 팝업북처럼 다양한 각도에서 볼 수 있었다. 가격을 낮추려고 뻣뻣한 마분지를 사용했으나 수면이나 창문에는 셀로판지를 부착해 환상적인 효과를 연출했다. 두껍고 질이 낮은 종이에 그려진 조잡한 원색 그림들은 원가 절감의 일환이었지만 역설적으로 루이스 기로드 팝업북의 개성으로 자리 잡았다.

칠드런즈 애뉴얼 시리즈는 면지의 팝업을 비롯해 7개 팝업을 가진 책으로 각 책마다 요정, 서커스, 사냥, 정글, 마더 구스 스토리, 크리스마스와 산타 등 다양한 짧은 이야기들이 실려 있다. 그중에서도 1931년에 나온 데일리 익스프레스 칠드런즈 애뉴얼 2(DAILY EXPRESS CHILDREN’S ANNUAL No. 2)는 책을 펼침과 동시에 광대가 철봉을 2바퀴 도는 팝업으로 유명하다. 책을 펼칠 때 계속되는 일련의 동작들은 루이스 기로드와 다른 작가들을 차별화하는 기법 중 하나다.

해럴드 렌츠는 단 3년간 팝업북 분야에 종사했지만 ‘팝업북’이란 단어를 사용한 최초의 작가이며 미국에서 팝업북이 대중적으로 보급되는데 크게 이바지했다. 블루 리본 출판사는 원래 전기나 역사물 등 논픽션을 복간하는 곳이었는데, 경제 공황으로 책 판매가 부진해지자 팝업북 시장으로 진입했다. 1932년 블루 리본은 해럴드 렌츠의 진두지휘하에 첫 팝업북을 선보였다. 1932년과 1934년 사이 그는 10여 권의 팝업북 일러스트와 팝업북 제작을 위한 모형들을 만들었으며 팝업을 하나의 상표로 등록했다. 그래서 블루 리본 사의 모든 팝업북 표지에는 팝업이라는 단어가 적혀 있다.

피노키오 팝업(The Pop-Up of Pinocchio)은 해럴드 렌츠의 대표작으로 팝업이란 용어를 트레이드 마크로 등록했음을 앞 페이지에서 밝히고 있다. 흑백 일러스트와 4개의 컬러 팝업 페이지로 이뤄져 있으며 책을 펼치면 가운데에서 익살스러운 표정의 피노키오 얼굴이 나온다. 고래의 커다란 입이 벌어지며 피노키오와 제페토 할아버지가 보이는 마지막 팝업도 무척 스펙터클하다. 팝업을 보는 각도와 위치에 따라 다양한 피노키오의 모습을 즐길 수 있다.

1880년대 미국 최초로 팝업북을 대량 출판했던 맥로린 브라더스 출판사는 계속되는 경제 공황의 여파로 책 판매가 부진해지자 다시 팝업북 분야에 진입했다. 그 첫 팝업북이 바로 제랄딘 클라인의 <졸리 점프 업(JOLLY JUMP-UPS)> 시리즈다. 1939년에서 1954년 사이에 출간된 <졸리 점프 업> 시리즈는 당시 미국인들이 이상적으로 생각하는 생활을 담고 있다. 교외에 새로운 집을 마련한 가족들의 행복한 생활이나 당시 미국인들이 큰 관심을 갖고 있던 우주 개발 등을 소재로 삼은 덕분에 큰 인기를 끌어 팝업북 역사에 보기 드문 여성 작가로 자리 잡았다.

그녀의 대표작인 <졸리 점프 업> 시리즈는 남편 벤자민과의 공동 작업으로 탄생했다. 벤자민은 1930년대 독일의 슈라이버 출판사에서 출판한 팝업북에 영감을 얻어 페이퍼 엔지니어링 과정을 설계했다고 한다. 그는 1장의 종이에 일러스트를 인쇄해 팝업 부분을 오려내고, 접은 후 세워서 3차원을 표현했다.

제랄딘 클라인의 마더 구스 시리즈(The Stand-up Mother Goose)는 서양 전래 이야기와 속담 민요 등을 재미있게 각색한 것이다. 상자 안에 8개의 마더 구스 이야기가 들어 있고 책의 형태도 다양하다. 표지 모서리도 둥글게 자른 것, 사선으로 자른 것, 꽃 모양으로 자른 것 등 각기 다른 형태를 가지고 있다. 동요별로 한 장을 한 권으로 만들었는데 책을 펼치면 가장자리에 휘장이나 넝쿨식물, 나뭇가지 등이 그려져 있어 단순한 팝업에 장식적인 효과를 더해준다.

체코 건축가이자 그래픽 디자이너인 쿠바슈타는 1960년대부터 약 30년에 걸쳐 다양한 팝업북을 만들었다. 그의 팝업북은 전 세계 24개국 언어로 번역돼 3,500만 부 이상 팔렸다.

쿠바슈타는 1953년부터 체코 국영 출판사 아리티아의 일러스트레이터 겸 그래픽 디자이너, 팝업북 엔지니어로 다양한 활동을 했다. 아리티아는 주로 어린이를 위한 책을 펴냈는데 세계대전 포화로 독일의 훌륭한 인쇄소가 파괴된 것과는 달리 프라하 인쇄소는 고스란히 남아 있었다. 체코의 구식 인쇄 기계들은 인쇄되는 동안 그림에 물감이 흠뻑 스며들기 때문에 쿠바슈타의 그림들은 정감 있고 소박한 색채를 띠게 됐고, 이는 서방 세계 사람들의 눈에 이국적인 느낌을 불러일으켰다.

1960년대 초반에 파나스코픽 포맷으로 만들어진 팝업북 12권은 많은 텍스트를 포함하고 있고, 마지막 장에 대형 팝업이 튀어나온다. 파나스코픽 포맷의 팝업북 중에는 팝업의 높이가 30㎝에 다다르는 것도 있다. 파나스코픽 모델은 후기로 갈수록 팝업만 포함한 간략한 형태로 변했다. 그중 대표적인 것이 <콜럼버스는 어떻게 아메리카를 발견했나>인데 인테리어 팝업이라 불리는 이 책은 텍스트 없이 팝업만으로 만들어졌으며 1977년 교재용으로 생산돼 전 세계로 수출됐다.

커다란 팝업이 일어서는 특유의 박진감이 특징인 파나스코픽 형태는 인테리어 팝업, 크리스마스 카드, 그리팅 카드 등에 다양하게 사용됐다. 파나스코픽 모델 시리즈를 비롯한 대형 팝업북은 쿠바슈타가 이후에 제작한 팝업북들과는 달리 커팅 팝업이 아닌 종이를 붙여 제작했다.

800년 역사가 녹아있는 전 세계 거장들의 팝업북을 만나볼 수 있는 <Popping, 살아있는 책들> 展. 사랑하는 아이와 함께 다채로운 팝업북을 읽고, 체험하며 동심의 세계 속으로 빠져 보길 바란다.

포스코홀딩스가 3월 25일(월)부터 포스코미술관에서 포스코 창립 56주년 기념展 <천기누설 고려비색 天機漏洩 高麗翡色>을 시작했다. 이번 전시는 6월 2일(일)까지 약 두 달간 진행된다. 이번 특별전은 우리나라의 대표적인 문화유산인 고려청자를 집중 조명하는 전시로, 청자의 발전 과정을 순청자, 상감청자, 분청사기 등 다양한 기형과 기법으로 탄생한 작품들을 통해 살펴볼 수 있도록 구성했다. 특히, 그동안 쉽게 접할 수 없었던 국가지정문화재 보물 <청자상감연판문매병>, <청자상감운학문표형주자, 승반>은 물론, <청자쌍룡장식향로>, <청자사자형문진> 등 총 60여 점의 유수한 작품을 선보이며 관람객들에게 특별한 경험을 선사할 예정이다.

이번 전시는 고려시대 최첨단 기술의 결정체인 ‘고려청자’와 미래를 여는 소재로 초일류를 향한 혁신을 선도해 온 ‘포스코그룹’의 첫 만남으로 주목받고 있다. 관람객들은 소재를 다루는 ‘기술’이 세상을 이롭게 하는 새로운 ‘가치’로 발전하는 그 역사적인 순간을 오롯이 느껴볼 수 있을 것이다.

우리가 알고 있는 청자는 처음 중국 송나라의 영향을 받아 만들기 시작했다고 전해진다. 고려인들은 이러한 영향을 받은 가운데 자신들이 가진 미감을 활용해 중국 청자의 기술을 자기화하고 개선해 나가며 독자적인 방법으로 고려청자를 만들기 시작한다. 따라서 중국에서 만들어진 청자의 푸른색은 비밀스러운 색깔이란 뜻에서 비색(秘色)으로 불리었지만, 이와는 대비되는 뜻으로 에메랄드 녹색을 띠는 비취 옥색의 빛이 감돈다고 하여 고려청자의 색을 ‘비색(翡色)’으로 부르기 시작했다.

아름다운 색을 지닌 고려청자는 독특하고도 고유한 ‘푸른빛’의 매력을 지니고 있다. 12세기 송나라 사신 서긍(徐兢)은 고려청자를 두고 ‘고려는 빛깔이 푸른 도자기를 만드는 데 그 색감을 말로 형용할 수 없다’며 고려청자의 색을 신비로운 색인 ‘비색(翡色)’이라고 표현할 정도였다.

물감도 없던 시대에 색을 만들어 낼 수 있었던 비밀은 바로 ‘철’에 있었다. 철은 화학반응을 통해 다른 색으로 변하는 특성을 지니고 있는데, 청자를 만들 때 사용하는 흙이나 유약에 들어있는 ‘산화철’이 가마 속의 ‘불꽃’과 결합해 화학반응을 일으킨 결과물이 바로 고려청자의 비색이었던 것이다. 또한, 산화철이 포함된 흙으로 안료를 만들어 문양을 그린 후, 유약을 발라 구워 철화청자를 만들어내기도 했다. 이렇듯, 고려청자의 깊숙한 곳에는 ‘철’이라는 DNA가 내재돼 있었다.

본 전시는 고려시대 최첨단 제조 기술의 결과물인 ‘고려청자’와 지속 가능한 미래 실현을 위해 소재의 혁신을 선도해 온 ‘포스코그룹’의 역사적인 만남의 장이다. 포스코그룹은 이번 <천기누설 고려비색 天機漏洩 高麗翡色>展을 통해 천년의 세월이 지나도 변함없이 그 아름다움을 간직하며 모두에게 사랑받는 고려청자처럼, 백 년이 지나도 사회로부터 신뢰받는 포스코그룹으로 영속할 수 있다는 희망을 전달하고자 한다.

유려한 곡선의 수구와 손잡이를 가진 이 주자(注子)는 잘록한 표주박 형태의 동체부(胴體部)를 가졌으며, 국화문이 시문된 능화형(菱花形)의 승반(承盤)을 갖추고 있다. 동체부의 허리 부분을 중심으로 상단에는 이중의 원권 안에 모란문이 시문된 문양과 모란문을 단독으로 시문된 문양을 교차로 시문했고, 하단에는 이중의 원권 안에 시문한 운학문을 중앙에 배치하고, 원군 주변에 모란문을 시문해 장식성을 더했다.

주전자의 저부(底部)는 흑백상감으로 연판문대를 시문해, 마치 연꽃 위에 주전자가 있는 듯한 모습을 보여주며 주전자의 뚜껑 또한 연꽃 모양을 하고 있어 장식적인 조형미를 높여준다. 이러한 형태와 장식, 유약의 색을 미루어 볼 때, 고려인들은 자신들이 보여주고자 했던 미감을 이 작품에 여과 없이 표현한 것으로 보인다. 따라서 이 작품이 고려청자의 정수(精髓)를 보여주고 있다고 해도 과언이 아니다. 특히 고려시대에 만들어진 청자 주전자 중 주전자와 뚜껑, 승반을 갖춘 작품은 현재 전해지는 예가 드물어 보물로 지정된 이 작품의 자료적 가치에 중요성을 더하고 있다.

이 작품은 살짝 외반된 구연부(口緣部) 아래 견부(肩部)에 둥근 원을 그리고 있다. 고려시대 전형적인 매병보다 견부가 좁고 둥글며, 동체부 전면이 유려한 곡선을 갖추고 있다. 유약은 담청색을 띠는 투명 유약이 시유(施釉)됐다. 견부에는 하부로 향하는 이중의 연판무대가 흑백상감으로 장식됐다. 동체부 중간 부분에는 상부로 향하는 연판문대를 두어 장식했다. 동체부 윗부분에 마주 보며 시문된 연판문대 사이에는 3줄의 세로줄 무늬를 시문해 연꽃 안에 둘러싸여 있는 형태적 마감을 표현했다.

매병의 저부에는 백상감으로 연판문대를 시문했으며, 동체부 중간부에 있는 연판문과 연결된 3줄의 세로줄 무늬를 시문했다. 연판문이라는 단순한 소재가 구성 변화를 통해 고려시대의 세련된 미감을 보여준다. 굽바닥에는 모래 섞인 내화토 받침을 사용해 번조한 흔적이 확인된다.

이 작품은 골이진 과형(瓜刑) 형태의 동체부와 연잎이 말린 듯한 수구, 손잡이가 부착돼 있는 주자이다. 주자의 구연부와 저부에는 이중의 연판문대가 상감으로 시문돼 있으며, 동체부 전면에는 세로로 골이 음각으로 새겨져 굴곡 있는 과형의 형태를 보인다.

동체부의 구분된 각 면마다 모란절지문(牡丹折枝文), 연화절지문(蓮花折枝文), 국화절지문(菊花折枝文)이 교차로 시문돼 있다. 꽃가지 부분은 흑상감으로, 꽃봉오리와 활짝 핀 꽃의 모습은 세밀한 솜씨의 백상감으로 장식돼 주자의 높은 조형미를 돋보이게 한다. 맑은 청자유가 전면에 시유돼 화려하면서도 절제미가 조화롭게 표현된 고려 상감청자 주자의 면모를 보여주는 작품이다.

동체부는 균일한 간격으로 세로 골을 내어 11개의 볼록한 면을 만들었다. 과형의 동체부 전면에는 참외 넝쿨이 양각으로 시문돼 있어 한여름 햇빛을 받고 생기 있는 참외 넝쿨을 표현하듯 과형의 주자 전면에 섬세하면서도 리드미컬한 문양으로 구성돼 있다. 손잡이는 세 가닥의 줄기를 꼬아 제작했고, 손잡이가 부착된 하단에 참외 잎이 표현돼 사실적인 생동감을 불어넣어 준다. 유색은 전체적으로 맑은 청록색으로 양각의 문양이 더욱 돋보이는 작품이다.

국내 도자류 중 용이 도상화(圖像化)된 체계를 갖춘 것은 고려시대로 추측된다. 남아있는 유물로 볼 때 용 문양 혹은 용 형태를 가진 사례는 고려시대의 청자류에서 본격적으로 나타나기 때문이다.

이 작품의 향로는 동체부의 구연 끝이 위를 향해 살짝 벌어지고 원통형의 몸체부 하단에는 동물 모양의 다리가 세 개 붙어 있다. 원통형의 몸체에는 음각으로 도철문대를, 그 아래에는 운문대를, 그 사이에는 세 줄의 음각선을 둘러 장식했다. 향로 뚜껑에는 두 마리의 용이 몸을 교차해 오르고 있다. 코가 올라간 용은 마치 하늘을 오르듯 당당한 위용을 보여주며 정선된 태토(胎土)에 맑고 고운 청자유를 시유해 발산되는 비색의 아름다움은 용의 기상을 더해준다.

이 청자 화병(花甁)은 여덟 개의 잎으로 이루어진 나팔꽃이 활짝 핀 유려한 곡선의 구연부를 가진다. 곧은 경부(頸部) 아래로 몸통은 세로로 여덟 개의 면으로 나누어 과형을 본뜨고 있는데 팽팽한 양감을 갖고 있다. 밖으로 벌어진 굽은 주름치마가 살포시 내려앉은 모습을 하고 있으며 굽바닥에는 모래를 받쳐 구운 흔적이 남아있다. 담녹색의 맑고 투명한 청자 유약이 시유돼 있어 단아하면서 기품 있는 고려청자의 아름다운 자태를 자아낸다.

이 매병은 형태가 매우 당당하고 양감이 좋으며 상감이 선명하고 정교해 한눈에 보기에도 주목되는 작품이다. 견부에는 흑백상감으로 연판문대가 시문돼 있고 저부에는 백상감으로 1조(組)의 뇌문대가 시문돼 있다. 동체부에는 커다란 대나무와 매화나무가 앞 뒷면에 흑상감으로, 매화꽃은 백상감으로 시문돼 있다. 이 작품에 시문된 문양을 살펴보면 고려시대 상감청자에 표현된 회화적인 면모를 제대로 발견할 수 있을 것이다.

본 작품은 백태(白胎)에 청유(靑釉)를 시유한 유개호이다. 백색 태토로 그릇의 형태를 만들고 청색유약을 씌워 제작한 것으로 조선 전기에 ‘청자(靑磁)’라고 불렀던 것으로 추정되며, 15세기부터 17세기까지 광주 분원(分院)에서 백자와 함께 제작됐다. 당시 분원은 백자가 주 기종으로 제작됐으며 조선식 청자의 생산량은 아주 적었다. 형태는 백자의 형태와 유사하며 단지 유약만 청색을 씌워서 왕세자인 동궁(東宮)의 전용품으로 제작한 것으로 볼 수 있다. 유색은 짙은 녹색을 띠며 유층은 두껍다. 굽바닥에는 고운 모래를 받쳐 구운 흔적이 확인된다.

외반한 구연부와 원형의 주구(注口), 그리고 골이 진 손잡이를 갖춘 병 모양의 주자이다. 구연부 상단부터 뇌문대, 국화문, 연판문대, 연주문대가 흑백상감 됐다. 동체부에는 모란절지문과 국화절지문이 교차로 시문돼 있으며 그 사이 여백에는 자유롭게 노닐고 있는 나비문양이 시문돼 있다. 매우 맑고 투명한 회청색의 유약이 시유됐으며 광택이 좋다. 굽바닥에는 다섯 곳에 모래 섞인 내화토 받침을 받쳐 구웠다. 유려한 기형과 화려하면서도 절제 있는 문양, 청초한 유색이 고려 귀족사회의 문화적 특징을 잘 드러내고 있다.

고려가 단순히 수입된 청자 기술을 토대로 중국식 청자 생산만 고집했다면 그건 그리 놀라울 일도, 주목할 일도 아니다. 고려청자는 아직도 중국 청자의 아류로 남아 있었을 것이다. 기술을 자기화해서 개선해 더 나은 것을 선보이는 것은 쉬운 일이 아닌데 이런 어려운 일을 청자 기술 수입 100년 후 고려 장인들이 해내었으니, 그것이 바로 고려 비색청자다…

고려 비색청자가 기록된 것은 고려 사람이 아닌 중국인에 의해서다. 1124년 북송 마지막 황제 휘종의 사신인 서긍(徐兢)이 고려에 한 달간 머물다 가서 적은 <선화봉사고려도경(宣和奉使高麗圖經)>은 고려 비색 청자 관련 중요한 기록을 담고 있는 책으로 유명하다. 서긍은 고려청자에 대해 “陶器色之青者, 麗人謂之翡色, 近年以來, 制作工巧, 色澤尤佳”라 하여 고려인들이 비색을 부르고, 요즘 들어서 제작 기술이 향상되어 색과 광택이 뛰어나다고 하였다… 여기서 말하는 비색은 비취 색의 옥과 같은 색상이다. 시간이 흘러도 고대의 중국인들을 비롯해서 아시아인들이 가장 고귀한 색으로 여겼던 건 바로 옥의 색상인 비색이다. 그럴 정도로 이 시기에 고려청자의 색은 중국 사신이 봤을 때 어마어마한 것이었다.

– <천년의 꿈, 비색청자>

-방병선 (고려대 고고미술사학과 교수) 평론 글 中 발췌

​한국의 미(美)가 고스란히 녹아든 우리의 위대한 문화유산, 고려청자. 이 경이롭고도 신비한 유산이 간직한 이야기가 궁금하다면, 날 좋은 날 <천기누설 고려비색>展을 찾아 깊고 푸른 시간 속을 잠시 노닐어 봐도 좋을 것 같다.

포스코홀딩스가 2월 13일부터 2월 27일까지 서울 포스코미술관에서 ‘포스코 아트 컬렉션(POSCO ART COLLECTION)’ 기획展을 연다.

▲포스코미술관에서 2월 13일 개막한 ‘포스코 아트 컬렉션’ 기획展 포스터.

이번 ‘포스코 아트 컬렉션展’에서는 포스코미술관이 소장하고 있는 작품들을 엄선하여 선보인다.

해당 전시를 통해 포스코미술관은 소장 중인 아트 컬렉션의 예술적 가치와 역사적 의미를 재발견할 수 있는 기회를 대중에게 제공하고 포스코그룹 직원들로 하여금 회사에 대한 문화적 자긍심을 높이고자 한다.

▲ULTRA MARINE(윤형근作, 린넨/유채, 219x333cm, 1994년).

▲곡신(오수환作, 캔버스/아크릴, 259x388cm, 1994년).

이번 전시에서는 포스코미술관에서 소장 중인 회화, 사진, 판화 등 총 30여점의 작품을 관람할 수 있다. 2000년대 현대미술을 대표하는 작가인 ‘한국 단색화의 거목’ 윤형근 화백의 〈ULTRA MARINE〉(1994), 오수환 화백의 〈곡신〉(1994), 홍수연 작가의 〈Wandering shades-red, blue〉(2010)를 포함하여 다양한 수작들을 만날 수 있다.

포스코 아트 컬렉션은 특히 2024년 포스코그룹 캘린더에서 이미 소개된 작품과 작가들을 선정하여 사진으로만 봤던 작품들을 실물로 만나볼 수 있는 기회를 제공한다.

▲포스코그룹 달력(4월)에 실린 Wandering shades-red, blue(홍수연作, 혼합재료, 각 130x130cm, 2010년).

서울 포스코센터 지하1층 포스코미술관에서 2월 27일까지 열리는 이번 전시회는 별도 예약 절차 없이 관람이 가능하다. 관람시간은 월요일부터 금요일까지 오전 10시부터 오후 6시, 토요일/일요일은 오전 11시부터 오후 4시까지이며 휴관일 없이 진행한다.

포스코미술관이 2023년 12월 6일부터 2024년 1월 16일까지 송필 작가 개인전 <레퓨지아를 찾아서>를 개최한다. 삶에 대한 숭고함과 경외를 담고 있는 조각작품을 통해 생의 근원에 대한 철학적 고찰과 생명의 순환을 탐구해 보고, 생명체의 꺾이지 않는 생의 의지로부터 오는 희망의 메시지를 발견해 보자.

포스코미술관 2023년 마지막 초대 개인전은 송필 작가의 <레퓨지아를 찾아서>이다. 이번 전시에서 작가는, 정착하지 못하고 부유하는 현대 유랑민을 표현했던 자신의 기존 작품에서 한 걸음 더 나아가 인류학적 관점과 서사를 더욱 확장하고, 인간 삶에 대한 사유를 깊이 탐구한 조각·설치작업물 총 19점을 선보일 예정이다.

이번 작품들에서 주목해야 할 것은, 나무의 형상들이다. 작가는 작품을 만들 때 주로 휴양림에 버려진 나목과 나무껍질을 이용해 작업의 기본 틀로 삼았다. 그가 버려진 나목으로 표현하고자 한 건, 바로 죽은 듯 메마른 고목처럼 인간의 본질을 상실한 시대, 존재 의미가 물화되는 위태로운 오늘날. 하지만 죽은 나무 사이를 뚫고 기적처럼 피어난 꽃을 바라보고 있노라면, 그 와중에도 살아보고자 하는 희망에 기댄 길, 결국 우리 ‘삶의 여정’을 떠올리게 한다. 이번에 그가 전시에서 펼쳐 보이는 레퓨지아를 통해, 우리는 개인 삶에 대한 고민을 시작으로, 삶의 의미와 방향성을 고찰할 수 있는 뜻깊은 시간을 맞이할 수 있을 것이다.

레퓨지아(Refugia)는 과거 지구 대부분 지역에 추위가 덮친 빙하기 때, 광범위하게 분포했던 생물체가 빙하의 영향을 피해 소규모 집단으로 살아남을 수 있었던 장소를 뜻한다. 이처럼 대륙 전체의 기후변화기 이후에도 다시 수많은 동식물종이 유지되고 번성할 수 있었던 것은 지구 곳곳에 레퓨지아가 남아있었기 때문이다.

오늘날 또한, 기후변화로 인간의 삶이 점차 위협받고 있다. 그뿐만 아니라 인류 역사를 되돌아보면 기아와 질병이 덮치지 않은 적이 없었고, 어지러운 정치와 전쟁으로 인간은 많은 고통을 겪어야 했다. 그럼에도 다시 번성할 수 있었던 것은 곳곳에 피난처가 있었기 때문이다. 환란(患亂)을 당한 사람들의 피난처도 지리학적 의미의 레퓨지아와 같은 역할을 한다. 레퓨지아는 인간이라는 생물 종에게도 계속성(繼續性)을 담보하는 곳이며 레퓨지아를 찾는 것은 오늘을 살아가는 모든 이들에게 절실한 일이다.

작가 송필은 인간과 삶의 문제를 주제로 조각 작업을 한다. 동물의 가죽을 재조립해 권력의 어두운 이면과 소외된 인간의 모습을 투영하고, 찌그러지고 구겨진 건축물과 상징물 조각으로 자본주의의 파괴와 폭력성을 들춰왔다. 2010년경부터는 초식동물 형상으로 인간 삶을 은유하는 작업을 이어 나갔다. 거대한 돌덩어리를 등에 올린 낙타로 인생의 무게를 짊어진 인간 삶 속 여정을 표현해낸 것처럼. 이처럼 작가는 존재론적 시선으로 현실 뒤에 숨은 본질과 인간 존재의 의미를 탐구하며 우리로 하여금 각자 삶과 인생에 대해 질문하고 고민하게 만든다.

-<레퓨지아를 찾아서>, 희망의 빛을 향해 떠나는 삶의 여정

강정하(금호미술관 선임큐레이터) 평론 글 中 발췌

포스코미술관이 2023년 하반기 초대 개인전으로 나무와 자개, 재를 활용해 심상의 근원을 ‘빛’과 ‘결’로 조형화해 온 김덕용 작가의 작업세계를 총망라한 <그리움, 결에 스미다>를 선보인다. 이번 전시에는 ‘생명’과 ‘순환’을 주제로 인간, 자연, 나아가 우주로 확장되는 무한한 생명의 순환을 경험할 수 있는 작품들과 2023년 제작된 신작까지 총 50여 점으로 구성했다.

나무판을 작업의 캔버스로 삼아 작품을 만들려면 나무의 결과 색을 자연스럽게 맞춰야 하는데, 결코 쉬운 작업이 아니다. 세상에 단 하나뿐인 화면이 만들어지면 작가는 그제야 비로소 단청 채색을 하고, 자개, 금박 등을 옻으로 이겨 붙이는 고도의 기술로 ‘결’을 만들어 나간다. 김덕용 작가가 작품에 담아내고자 하는 감성을 표현하기 위해 그 어떤 수고도 감수하는 이유는 “삶이 힘들었기에 따뜻한 그림을 그리고 싶었다”라는 작가의 말에서 엿볼 수 있다.

전시장은 자개의 ‘빛’과 나무의 ‘결’이 만나 완성된 한국미의 자연스러운 선율로 가득 채워졌다. 각 작품의 결을 따라가다 보면 빛이 내뿜는 따스함을 발견하게 될 것이다. 그 안에서 작가의 삶의 여정에 깃든 ‘그리움’을 느껴보고 동시에 우리의 인생은 어떠한 그리움을 품고 있는지 생각해 보는 시간을 가져보자.

나뭇결이 여실한 맨살의 나무 위에 그린 그림에서부터, 작가의 작업에 자개가 도입되면서 나무 그림과 자개 그림이 공존하던 시기의 그림, 그리고 이후 자개가 본격적으로 등장하는 근작에 이르기까지의 그림들이 한자리에 모였다. 재료만 놓고 보면 나무에서 자개로 이행한 것인데, 작가는 서정에서 서사로 옮겨간 것이라고도 했다.

나무 재질의 부드럽고 따뜻한 질감이 서정성을 환기하는 것과 무관하지 않을 것이다. 그리고 자개 작업으로 넘어가면서부터는 생과 사가 순환하는 것과 같은, 특히 그 과정에서 재가 작업 속으로 들어오면서 빛과 어둠, 삶과 죽음의 양비론이 전면화하는 것과 같은, 그렇게 우주적 비전과 존재의 섭리가 강조되는 것과 같은, 거대 담론이 본격화한 것과도 무관하지 않을 것이다. 크게 보면 그렇지만, 그럼에도 여하튼 자개 작업이 서정성을 결여하고 있는 것도 아니다.

부드럽고 따뜻한 감정이 서정인만큼이나, 숭고한 감정도 서정이다. 우호적인 서정과 격렬한 서정이라고 해야 할까. 그렇게 작가는 서정과 서사 사이, 재와 빛 사이, 빛과 어둠 사이, 삶과 죽음 사이에 이행하면서 순환하는 경계를 넘나들고 있었다. 그 사이 어디쯤엔가에 존재의 원형에 대한 그리움, 그러므로 원형적인 그리움(어쩌면 그 자체 고독한 존재를 증명하는)을 풀어놓고 있었다……

– 김덕용의 회화 <재와 빛이 순환하는, 때로 그 사이에서 길을 잃어도 좋을>
고충환(미술평론) 中 발췌

포스코미술관이 7월 24일부터 9월 17일까지 <화가의 아름다운 책들-Artists’ Mesmerizing Books>展을 개최한다. 이번 전시는 문학과 미술의 만남으로 탄생한 새로운 형태의 예술작품을 주제로, 1930년대부터 현재까지 약 100여 년간의 미술 사조와 다양한 예술가들의 창작혼이 결합된 독창적 예술품 ‘아티스트 북(Artists’ Book)’을 재조명한다.

<화가의 아름다운 책들-Artists’ Mesmerizing Books>展에서는 100년의 세월을 따라 제작된 아티스트 북의 가치를 탐색하고 앙리 마티스의 <재즈>, 살바도르 달리의 <실낙원>, 샤갈의 <성경> 등 대표 작품을 비롯해 쉽게 접하기 어려운 초판 희귀 한정본 도서 약 100여 점을 선보인다. 이번 전시를 통해 50인 현대미술가의 영감이 깃든 작품을 만나보자.

아티스트 북은 고전 텍스트에 미술가의 원본 그림을 함께 엮어 만든 책 형식의 예술작품이다. 세계대전 이후 찾아온 경제 공황으로 상황이 어려워진 파리 미술상들이 유명 작가들에게 협업을 제안하며 1890년 ‘리브르 다티스트(미술가의 책, livre d’artiste)’라는 명칭으로 처음 등장했다.

미술계와 문학계가 합작해 제작된 아티스트 북은 예술 팬들을 새로운 경험으로 이끌며 파란을 일으켰다. 당시 파리의 저명한 판화 공방에서 고급 수제 종이로 한정본을 생산한 것이 1930년대 미국 신대륙에도 영향을 미쳤다. 나아가 1960년대에는 미술가뿐 아니라 다양한 분야의 아티스트들까지 표현의 수단으로 아티스트 북을 선택하면서 갤러리나 박물관 전시 외에도 독립적으로 제작, 판매될 정도로 시장이 커졌다.

새로운 창작물의 개념이 예술계에 등장하면서 책은 단순히 지식의 축적이나 독서를 위한 도구가 아닌, 현대미술가들의 새로운 표현 매체로 발전했다. 유수한 예술가들의 창조 이미지와 사고의 산물이 조화를 이룬 아티스트 북은, 세계적으로 그 예술적 가치를 인정받고 있다.

20세기 근대 미술 역사에 한 획을 그은 앙리 마티스는 암 발병으로 몇 번의 수술을 했지만 시련을 극복하고 자신의 대표적 표현 기법을 창조한다. ‘컷-아웃(cut-out)’ 기법으로, 종이에 물감을 칠하고 그걸 가위로 잘라서 이어 붙이는 방식이다. 휠체어를 탈 수밖에 없어 스케일이 큰 대형 캔버스를 다루는 데 어려움이 있던 마티스는 침대에 누워 주어진 상황에서 무얼 할 수 있을지 찾다가 비교적 작은 사이즈에 부드러운 곡선이 돋보이는 판화 창작을 선택한다.

<재즈>는 서커스와 연극에 관한 그림 20점에 자신의 생각을 담은 글을 합쳐 묶은 책이다. 강렬한 색감의 종이로 꾸민 디자인, 투박하면서도 부드러운 도형과 서로 대비되는 색들은 모두 가위와 종이만으로 만들어낸 마티스의 신선한 발상의 결과물이다.

파블로 피카소가 그린 아티스트 북 아리스토파네스 <여자의 평화>는 피카소의 오리지널 동판화가 있는 미국 내 유일한 책이다. 미국 유명 출판사 리미티드 에디션스 클럽(Limited Editions Club)이 피카소에게 의뢰해 1934년 제작된 이 작품은 출판사의 많은 책들 중 앙리 마티스의 <율리시스> 삽화와 함께 가장 중요한 작품으로 손꼽힌다.

<여자의 평화>는 펠로폰네소스 전쟁을 종식할 목적으로 남편과 연인에게 잠자리 거부를 선언한 그리스 여인들의 책략을 그린 작품으로, 책에 피카소의 삽화가 더해지며 관능적인 매력이 가미된 아티스트 북이 제작됐다. 책에는 피카소의 단순한 선과 균형감 있는 표현기법으로 창작된 오리지널 동판화 6점과 흑백 드로잉 34점, 그의 사인을 찾아볼 수 있다. 이 작업은 몇 년 후 피카소가 그리게 될 일련의 반전(反戰) 그림을 예고한 것으로 평가되고 있다.

실낙원은 영국 시인 존 밀턴이 1667년 발표한 장편 서사시로, 인간의 타락과 구원을 주제로 한 작품이다. 뱀으로 변장한 사탄의 유혹에 타락한 아담과 이브가 에덴동산에서 추방당하는 모습, 하나님을 향한 사탄의 반항 등이 그 줄거리다. 실낙원을 구상하던 시점, 실명 상태임에도 불구하고 자신의 세 딸에게 구술하는 방식으로 작품을 완성해 낸 존 밀턴. 그의 창작 열정이 담긴 이 책은 불후의 기독교 대서사시로 불린다.

살바도르 달리는 실낙원에 10점의 동판화를 담았다. 그는 동판화에 아담과 이브의 타락, 악(惡)의 수렁으로 유혹하는 뱀의 모습 등을 격정적인 선과 사실적인 묘사로 그려냈다. 또 하얀 여백 위에 갈색, 하늘색, 노란색 세 가지 컬러를 사용해 기존의 초현실적이고 그로테스크한 자신의 화풍과는 사뭇 다른 느낌을 표현했다.

화가들은 보통 아티스트 북의 일러스트를 제작할 때 책 말미나 1점 정도에만 사인을 한다. 그러나 달리는 이 작품의 동판화 10점에 모두 번호를 쓰고 사인을 했다. 달리가 남긴 10점의 사인은 그의 자유분방함을 엿볼 수 있을 만큼 각양각색이다. 참고로 이 책은 E.A 버전으로, 판화에 번호가 없다.

색채의 마술사로 불리는 샤갈은 독실한 유대인 가정에서 자란 영향으로 한평생 성경 이야기를 그린 작품을 남겼다. 그는 1931년부터 성경 일러스트 제작 프로젝트를 시작해 25년 만인 1956년에 <성경 삽화>라는 아티스트 북을 완성했다. 이 작품은 특유의 선명한 색상과 유려한 선으로 구약의 인물들과 사건을 충실하게 묘사해 그의 걸작 중 하나로 꼽힌다. <성경 삽화>에는 흑백 동판화 105점과 샤갈 특유의 몽환적인 컬러 대비가 돋보이는 컬러 석판화 16점, 비네트(흑백 석판화) 12점이 수록됐다.

<성경 드로잉>은 <성경>의 구약 편을 실은 것으로, 일러스트 72점과 컬러 석판화 24점으로 구성됐다. 프랑스의 과학철학자이자 문학비평가인 가스통 바슐라르가 이 작품에 서문을 썼다.

세계적인 문학으로 인정받는 제임스 조이스의 율리시스는 모더니즘 태동의 한가운데 있던 미술가들에게 큰 충격을 안긴 작품이다. 그의 작품으로 영향을 받은 많은 미술가들이 율리시스를 자신의 작품 세계로 들여와 확장시켜 아티스트 북 제작에 참여한다.

미국 추상표현주의 선구자인 로버트 마더웰은 스무 살이던 1935년, 파리를 여행하던 중 서점에서 제임스 조이스의 <율리시스>를 발견하고 모더니즘 미학의 열쇠 중 하나를 찾았다고 생각한다.

이번 전시에서 만나볼 수 있는 아티스트 북은 로버트 마더웰이 <율리시스>에 나타난 ‘인간’에 중점을 두고 제작에 참여한 작품이다. 캘리그래피처럼 표현한 동판화 40점이 수록됐으며 연두, 노랑, 분홍 등의 바탕에 그려진 그림은 추상적 기호나 숫자를 연상시킨다. 책의 두께는 약 14센티로 기획 3년, 제작 기간 1년 반이 걸려 이 작품이 탄생되기까지의 고민을 짐작할 수 있다.

이 작품은 미국의 팝 아티스트 재스퍼 존스의 동판화와 사회 부조리극으로 명성을 얻은 사뮈엘 베케트의 에세이가 조화를 이룬 판화 산문집이다.

8개의 짧은 에세이와 재스퍼 존스의 숫자, 판석, 작은 기호 등이 어우러진 이 작품은 1977년 출간된 후 휘트니미술관과 뉴욕현대미술관을 비롯한 다수 미술관에 전시되며 독창적 예술작품으로 인정받았다. ‘20세기 후반 아티스트 북의 이정표’라 불리는 이 작품 또한 이번 전시에서 만날 수 있다.

위대한 문학작품과 화가들의 작품을 작은 책 속에서 동시에 만나볼 수 있는 기회 <화가의 아름다운 책들-Artists’ Mesmerizing Books>展. 이번 여름에는 예술가들의 영감과 상상력이 가득 담긴 책들과 함께 여행을 떠나봐도 좋겠다.